En la actualidad, la industria musical —y en particular la escena electrónica— funciona cada vez más como un sistema de selección artificial. El recorrido y la experiencia, que antes eran los pilares de cualquier carrera sólida, han pasado a un segundo plano frente a la proyección y la estrategia de marketing.
El modus operandi es claro: se elige a una persona concreta, se construye una imagen atractiva y se le sitúa directamente en lo más alto del cartel. Todo ello sin haber atravesado el proceso natural de crecimiento que antes definía a un artista.
Ya no parece necesario curtirse en salas pequeñas, enfrentarse a públicos complicados, aprender a leer la pista o cometer errores vitales para el aprendizaje. Todo ese proceso se omite para acelerar una carrera diseñada desde fuera.
Del underground al Mainstage: El orden invertido
Un ejemplo claro de este funcionamiento es el caso de Fantasm, quien se estrena a los pocos meses de su iniciación en Verknipt, un evento de altísimo nivel y con una enorme afluencia de público.
No se trata de cuestionar su capacidad técnica ni su propuesta artística individual, sino de reflexionar sobre lo que representa este modelo de industria. Antes, llegar a un escenario de este calibre era la consecuencia de años de trabajo constante, no el punto de partida.
Hoy el orden se ha invertido: el escenario deja de ser una meta para convertirse en una simple herramienta de exposición y posicionamiento.
El vinilo como barrera de entrada (y de calidad)
Este cambio de paradigma contrasta de forma directa con lo que suponía la escena en la era del vinilo. El vinilo no era solo un formato físico; era una barrera real de entrada.
Su dificultad técnica, su coste económico y su nula tolerancia al error obligaban al DJ a dedicar tiempo, paciencia y verdadero amor por la música. Para pinchar vinilos había que:
- Conocer los discos a fondo.
- Entrenar el oído durante horas.
- Desarrollar una relación profunda con cada sesión.
Ese esfuerzo funcionaba como un filtro natural, separando a quienes buscaban la fama rápida de quienes estaban dispuestos a comprometerse de verdad con el oficio.
La normalización del «arte desechable»
Lo más preocupante no es únicamente cómo la industria fabrica artistas, sino la normalización por parte del público. Se acepta sin cuestionar que «esto es lo que hay», que las figuras impuestas son los referentes válidos y que el éxito mediático equivale automáticamente a calidad artística.
Este conformismo colectivo debilita el criterio individual y reduce la curiosidad por descubrir propuestas genuinas que nacen desde abajo (el verdadero underground). Cuando el público deja de exigir recorrido, profundidad y verdad, la industria se siente legitimada para seguir fabricando carreras rápidas.
El resultado es doloroso: se desplaza a quienes han dedicado años a formarse y se empobrece la cultura DJ, convirtiéndola en un producto de consumo inmediato en lugar de una expresión artística con memoria.
Redes sociales: Consumir, quemar y olvidar
A todo esto se suma el papel tiránico de las redes sociales, que han impuesto un ritmo de consumo rápido, constante y abusivo.
El contenido se devora y se descarta en segundos. Lo nuevo sustituye a lo anterior sin tiempo para la reflexión, y el valor de una obra se mide hoy por su impacto inmediato y su viralidad, no por su calidad. Este modelo termina por quemar el arte, vaciándolo de profundidad y reduciéndolo a estímulos fugaces.
En un entorno donde todo debe ser «para ya», el arte pierde el espacio necesario para lo más importante: madurar, dejar huella y construir significado.